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11 marzo 2026.- La 98ª edición de los Premios de la Academia llega el 15 de marzo con una selección de películas a mejor película inusualmente ambiciosa, marcada por un récord histórico de nominaciones, un duelo entre dos gigantes de autor y una temporada que puede recordarse como una de las más ricas de la década. Por primera vez en mucho tiempo, la mayoría de las películas nominadas son excelentes, y casi todas son dignas de ver.
Un repaso crítico a las principales contendientes.
Sinners (Los pecadores) — Ryan Coogler ★★★★½
Sinners, de Ryan Coogler, ha impuesto un nuevo récord al recibir 16 nominaciones, superando las 14 menciones que alcanzaron películas como Titanic, La La Land y All About Eve. El dato cuantitativo es espectacular. Lo más notable es que se lo merece.
Ambientada en 1932 en el delta del Mississippi, la película presenta a dos hermanos gemelos criminales —ambos interpretados por Michael B. Jordan— que regresan a su ciudad natal en el sur segregacionista para enfrentarse a un mal sobrenatural. En papel, suena a producto de género sin mayores pretensiones. En pantalla, es otra cosa.
Desde su poderoso debut con Fruitvale Station, Coogler ha demostrado ser un cineasta que sabe mirar al pasado sin perder de vista las urgencias del presente. Con Sinners se entrega a un proyecto personal, visceral, imperfecto y profundamente significativo: una fábula vampírica en clave afroamericana que se atreve a ser muchas cosas a la vez —western sureño, musical gótico, película de monstruos, alegoría histórica— y que, pese a sus excesos, encuentra momentos de una fuerza y belleza difíciles de olvidar.
El corazón del filme late en su doble ambición: contar una historia de terror genuinamente aterradora y hacer una disección del racismo estructural del Sur profundo sin que ninguna de las dos dimensiones cancele a la otra. Remmick, el vampiro irlandés interpretado por Jack O'Connell, no es solo un chupasangre aterrador, sino un inmigrante europeo marcado por la opresión sufrida a manos del Imperio británico que busca, más que alimentarse, apropiarse del talento musical de Sammie con la promesa de liberarlos a cambio de sumisión. La metáfora es brutal y no particularmente sutil, pero funciona porque Coogler tiene el talento de encarnarla en personajes de carne y hueso en lugar de en esquemas.
Hay matices tan claros entre Smoke y Stack que el espectador se olvida de que está viendo a una misma persona. Donde uno es intensidad y sacrificio, el otro es contención y frialdad. Jordan entrega aquí la interpretación de su carrera. La película tiene momentos de júbilo inesperado, incluso de éxtasis: cuando el joven bluesman Sammie toca y canta, toda la historia parece unirse metafísicamente, evocando visiones del pasado y el futuro de la música. Esa secuencia —un continuum anacrónico que recorre toda la historia de la música negra en un único plano— es uno de los mejores momentos del cine de 2025.
Sus defectos son reales: la primera hora dilata el ritmo más de lo conveniente y la segunda mitad entrega más de lo que puede controlar. Pero sus virtudes son extraordinarias. El 97% de las reseñas en Rotten Tomatoes son positivas, con el consenso de que se trata de "una fusión vibrante de narrativa visual magistral y música". El récord de nominaciones no es marketing: es justicia.
Una batalla tras otra (One Battle After Another) — Paul Thomas Anderson ★★★★
Treinta años después de Boogie Nights, Paul Thomas Anderson sigue siendo el director americano que más arriesga en cada proyecto. Basada en la novela Vineland del escritor Thomas Pynchon, la película está protagonizada por Leonardo DiCaprio como Bob Ferguson, un ex revolucionario que lleva una vida aislada junto a su hija Willa hasta que su antiguo enemigo —Sean Penn— reaparece para ajustar cuentas.
Anderson escribe y dirige una película conscientemente desmesurada y operística, inspirado libremente en Pynchon, acercando la narración a la actualidad. A pesar de tratar temas que alimentan el debate y la creciente polarización pública, se evita el realismo para decantarse hacia la sátira exagerada. El resultado es algo difícil de clasificar y más difícil aún de olvidar.
La forma en que Anderson mezcla tonos es envidiable: imágenes que referencian el tratamiento de los migrantes en la frontera con México se mezclan con slapstick, escenas de violencia y secuencias de acción —como una persecución climática en una pista de aterrizaje en medio del desierto que sube y baja— de manera que todo resulta fascinante. Es la película más furiosa de su filmografía, y también la más urgente.
Las actuaciones del elenco son absolutamente prodigiosas: DiCaprio como Bob, Penn como Lockjaw, Benicio del Toro como Sensei Sergio, Regina Hall, Teyana Taylor y la revelación Chase Infiniti. Cada intérprete brilla en su momento, entregándose a personajes que no atraviesan un aprendizaje tradicional pero que resultan inmediatamente vivos. Teyana Taylor, en particular, emerge como la gran revelación de la temporada.
Los reparos son legítimos: su extensión de casi tres horas se resiente en algún tramo del segundo acto, y hay quienes encuentran su mirada política demasiado unidireccional. El film se distingue por su mirada cruda sobre la identidad estadounidense, abordando las tensiones políticas, el extremismo y el militarismo que atraviesan la sociedad norteamericana, funcionando no solo como thriller de acción sino como sátira feroz al sistema. Si eso incomoda, probablemente sea la reacción buscada.
Trece nominaciones al Oscar. Un Globo de Oro a mejor película. Y la sensación de que Anderson, por primera vez en décadas, ha hecho exactamente la película que quería hacer, sin concesiones. Un triunfo irregular, pero un triunfo.
Hamnet — Chloé Zhao ★★★★
Había motivos para el escepticismo. Adaptar al cine la aclamadísima novela de Maggie O'Farrell sobre la esposa de Shakespeare y la muerte de su hijo parecía una empresa destinada al melodrama de calidad o, peor, al drama de época impecable y sin alma. Chloé Zhao y la propia O'Farrell —coguionista— lo han convertido en algo más cercano a un milagro contenido.
La película ficcionaliza la relación entre Agnes y William Shakespeare y el impacto que tuvo en sus vidas la muerte de su hijo Hamnet a los once años durante una epidemia de peste, y cómo esa tragedia inspiró la escritura de Hamlet. El punto de partida es una hipótesis histórica. Lo que Zhao construye a partir de ella es una meditación sobre el duelo, la creación artística y el precio que paga el genio en quienes le rodean.
El resultado es una película portentosa, tan dura como repleta de delicadeza, en la que la existencia fútil convive de forma explícita con la muerte para componer un drama que explora el alma humana con una intensidad desoladora y a la vez sutil y poética. Zhao apuesta por un cine de sensaciones —el olor del barro, la rugosidad de la madera, el frío del bosque isabelino— que ancla lo histórico en lo físico e inmediato.
El rostro de Jessie Buckley es el alma de la película. Por eso Agnes viste de rojo: es pasión, es amor, es fuego que resalta entre el verde del bosque. Buckley gana los Globos de Oro, los BAFTA y llega al Oscar como favorita absoluta. La razón es sencilla: su interpretación no funciona con efectos ni con arrebatos, sino con una contención que se filtra en los detalles —las miradas, una mueca, el fruncir de cejas—, dejando intuir todo un mundo interior que la cámara de Zhao sabe encontrar.
Hamnet funciona por acumulación, como un río dramático de emociones que conduce al espectador hasta una cascada final. El clímax, al que conviene llegar sin demasiada información previa, convierte toda la película en algo importante: conmovedor y demoledor a la vez. Preparad los pañuelos, no como advertencia lacrimógena sino como descripción clínica de lo que ocurre.
Sus debilidades —un primer acto algo apresurado, algún tramo contemplativo de más— quedan ampliamente compensadas por la coherencia de su visión y por la honestidad con la que aborda su pregunta central: ¿puede el arte redimir el dolor? La respuesta de Zhao es compleja, matizada y cinematográficamente extraordinaria.
El panorama completo: otras contendientes
Con nueve nominaciones aparecen Frankenstein (Guillermo del Toro), Marty Supreme y Valor Sentimental, la noruega de Joachim Trier. Con ocho, Hamnet.
Frankenstein regresa al monstruo de Mary Shelley desde la sensibilidad oscura del cineasta tapatío Guillermo del Toro, nominado a guion adaptado y película. Una apuesta por el cine de género como vehículo de ideas que en Del Toro nunca resulta gratuita.
Valor sentimental (Sentimental Value), del noruego Joachim Trier —el mismo de La peor persona del mundo— es la gran sorpresa europea de la temporada. Brasil tiene muchas posibilidades de llevarse el premio a la mejor película internacional con Agente Secreto, la extraordinaria película de Kleber Mendonça Filho.
Bugonia, de Yorgos Lanthimos con Emma Stone, completa la tríada de autores europeos que han hecho del Oscar su territorio habitual. La trama sigue a dos jóvenes conspiranoicos que capturan e interrogan a una mujer de negocios que creen que es una invasora alienígena. El universo absurdo-perturbador de Lanthimos resulta inclasificable, lo que en la Academia puede ser virtud o condena según el año.
F1: La película, de Joseph Kosinski con Brad Pitt, y Marty Supreme cierran la lista de las diez nominadas a mejor película, representando respectivamente el cine de entretenimiento de gran escala y la apuesta más arriesgada de la temporada.
El veredicto
Esta edición del Oscar llega con una distinción poco habitual: las principales candidatas son genuinamente buenas. No hay favoritas indiscutidas fabricadas por campañas de premios ni productos de emergencia de fin de año. Sinners y Una batalla tras otra pelean por el premio mayor con argumentos cinematográficos reales, y Hamnet espera entre bastidores con la convicción tranquila de quien sabe que ha hecho algo verdadero.
Si el Oscar premia lo que dice premiar —el mejor cine del año— las tres merecerían ganar. Lo cual, en la historia accidentada de la Academia, es ya de por sí un acontecimiento notable.
Los Premios Oscar se entregan el 15 de marzo de 2026 en el Dolby Theatre de Hollywood.
