Reseñas de los cuatro espectáculos que abren la temporada 2026-27 del Corral de Comedias de Alcalá: Errantes, Brecht, Dario Fo y La gitanilla.
Cuatro voces para un otoño en el Corral
Reseñas de la programación otoñal 2026-27 del Corral de Comedias de Alcalá de Henares
Nota previa: las cuatro funciones que abren la temporada 2026-27 no se han estrenado todavía en Alcalá cuando se escriben estas líneas. Lo que sigue no son, por tanto, crónicas de una noche vivida en la platea, sino reseñas anticipadas: lecturas críticas fundadas en las fichas artísticas, en el material de origen, en la trayectoria de las compañías y, en dos de los casos, en un recorrido escénico previo que ya ha dejado huella. El veredicto último, como siempre, lo dictará el patio de butacas de la calle de la Imagen.
Errantes
Compañía Scándere · Texto de Laura Garmo y Nacho León · Dirección de Laura Ferrer 18 y 19 de septiembre de 2026 · 19:30 h · 60 minutos
Hay pocos gestos de programación tan coherentes como inaugurar una temporada del Corral con una obra que habla, precisamente, de compañías de cómicos que sueñan con dejar de vagar por los caminos. Errantes llega a Alcalá precedida de una etiqueta que pesa —«espectáculo revelación» del Festival de Almagro 2025— y con la responsabilidad añadida de abrir el curso en una de las casas más simbólicas del teatro clásico español. La coincidencia entre el asunto de la función y el lugar que la acoge no es menor: pocos escenarios entienden mejor lo que significa la palabra corral que este.
El argumento es de una nitidez encomiable. Una troupe de cómicos de la legua recibe la noticia de que un representante del Consejo de Castilla acudirá a verlos para decidir si merecen el título de compañía de corte, ese salvoconducto que les permitiría dejar la intemperie y asentarse. Un suceso inesperado torcerá el destino. Sobre esa espina dorsal, Garmo y León construyen lo que se anuncia como una comedia delirante con música en directo y con el público convertido en parte de la función, un procedimiento metateatral que enlaza con la mejor tradición áurea: el teatro que se mira a sí mismo mientras entretiene.
El acierto potencial del montaje está en su tema de fondo. Errantes no se limita a la anécdota festiva; asoma a la precariedad, al hambre y al estigma social de un oficio a la vez admirado y despreciado. Esa doble faz —la risa como coartada de una denuncia— es terreno delicado: exige que la comedia no ahogue la herida ni la solemnidad apague la fiesta. La dirección de Laura Ferrer, que además se sube a las tablas dentro de un elenco de seis intérpretes, tendrá que sostener ese equilibrio durante sesenta minutos sin margen para la digresión.
La música de Luis Retana, ejecutada en vivo, apunta a ser la argamasa que dé continuidad a un espectáculo concebido como celebración colectiva. Y la brevedad, lejos de ser una limitación, puede jugar a su favor: una hora es tiempo suficiente para prender la mecha de una comedia de ritmo y dejar al espectador con la sensación de haber compartido algo, más que de haber asistido a algo. Si el montaje cumple lo que su pedigrí de Almagro promete, el Corral no podría haber elegido mejor pórtico para su otoño: una función sobre cómicos errantes que, al fin, encuentran casa.
Los tiempos que vivimos
Producción de Rita Barber · Textos de Bertolt Brecht · Música de Kurt Weill · Dramaturgia y dirección de Juan Carlos Talavera 25 y 26 de septiembre de 2026 · 19:30 h · 90 minutos
Volver a Brecht nunca es un gesto neutro, y hacerlo desde la forma del cabaret —ese género que el propio dramaturgo y Kurt Weill contribuyeron a convertir en arma de crítica social— es una declaración de intenciones. Los tiempos que vivimos se plantea como un viaje teatral y musical por el repertorio del siglo XX, con la ambición explícita de demostrar la vigencia de un autor que escribió sobre el desastre desde dentro del desastre. El título, deliberadamente ambiguo, invita a mirar el presente por el espejo retrovisor de la República de Weimar.
La propuesta dramatúrgica de Juan Carlos Talavera tiene una figura de anclaje memorable: Bertha Wolf, actriz y cantante de un tugurio —«tal vez un cabaret»— condenado al cierre por «los tiempos». A su lado, al piano, un portero enigmático que aprendió a tocar de oído, mirando a otros. La escena, según describe el propio director, se sostiene sobre una tensión sencilla y poderosa: hay que marcharse, esa es la amarga necesidad; quedarse, retrasar la partida, es el último desafío. En esa metáfora del local que echa el cierre late toda una época que se apaga, y el riesgo asumido —convertir el cierre de un antro en alegoría del fin de un mundo— es tan brechtiano como arriesgado.
El peso del espectáculo recae sobre Rita Barber, que además firma la producción, acompañada al piano por Germán Barrio. Es un formato de cámara, de dos intérpretes, donde no hay dónde esconderse: la palabra poética, el texto dramático y la canción tienen que trenzarse sin costuras, y el Sprechgesang de la tradición Brecht-Weill exige una intérprete capaz de cantar actuando y de actuar cantando. La asesoría de movimiento de José Luis Sendarrubias y la iluminación de Lía Alves apuntan a un cuidado formal que el género reclama: el cabaret vive de la penumbra, del foco sucio, del gesto exacto.
El principal desafío que se adivina es de tono. Brecht sin distanciamiento se vuelve panfleto; Brecht solo distanciamiento se vuelve frío. La hora y media de función tendrá que administrar la ironía y la emoción sin caer ni en la arenga ni en la nostalgia complaciente. Si Talavera y Barber consiguen que Bertha Wolf nos hable de nuestros tiempos sin subrayarlo, el montaje habrá cumplido la más difícil de las promesas del teatro político: la de conmover pensando.
Prometeo, bufón y mártir
El Gato Negro y Stivalaccio Teatro · Texto y dirección de Marco Zoppello · Interpretación de Alberto Castrillo-Ferrer 2 y 3 de octubre de 2026 · 19:30 h · 75 minutos
Que este montaje aterrice en 2026, año del centenario del nacimiento de Dario Fo, no es una casualidad sino el corazón mismo de su propuesta. Prometeo, bufón y mártir se declara espectáculo-homenaje al Nobel italiano, y lo hace por la vía más fiel posible a su legado: no glosándolo desde fuera, sino recuperando las herramientas con las que Fo trabajó —la mímica, el teatro popular, la Commedia dell'Arte, la bufonada— para convertir de nuevo el escenario en «espacio de resistencia». Es un homenaje que se hace haciendo, que es la única manera de honrar a un maestro del oficio.
La elección del mito de Prometeo resulta especialmente astuta. El titán que roba el fuego a los dioses para entregárselo a los hombres, y que paga por ello un castigo eterno, es la fábula fundacional de toda rebeldía ilustrada: el que da luz al pueblo y es condenado por el poder. Contarlo «como lo haría un histrión de la Antigüedad, con humor y crudeza», según la fórmula de Marco Zoppello, permite tender un puente directo entre la sátira clásica y la denuncia contemporánea de las hipocresías del poder y la corrupción institucional. El mito, en manos del bufón, deja de ser reliquia para volverse comentario de actualidad.
La empresa es, además, un tour de force actoral: Alberto Castrillo-Ferrer sostiene en solitario los setenta y cinco minutos. El monólogo bufonesco es uno de los formatos más exigentes del oficio —lo era el célebre Mistero Buffo del propio Fo—, porque el actor debe construir mundos enteros con el cuerpo, la voz y una relación desnuda con el espectador, sin red de reparto ni escenografía que lo cobije. El respaldo técnico es de garantía: la escenografía de Stefano Perocco, colaborador habitual del teatro veneciano de raíz, y el vestuario de Marie-Laure Bénard sitúan la pieza en la tradición del gran teatro popular italiano.
El riesgo, como en toda bufonada, es el desequilibrio: que el humor banalice la tragedia del titán o que la solemnidad del mito asfixie la irreverencia del bufón. Pero es precisamente en esa cuerda floja donde el género da lo mejor de sí. Si Castrillo-Ferrer encuentra el filo exacto entre la carcajada y el escalofrío, el Corral acogerá uno de esos espectáculos que recuerdan por qué el teatro fue, es y será —como reivindica la propia compañía— espejo de la realidad.
La gitanilla. A partir de la novela ejemplar de Miguel de Cervantes
Fundación Teatro de La Abadía · Texto de Miguel de Cervantes · Adaptación de Álvaro Ángel Malmierca · Dirección de Mariana Wainstein Del 9 al 18 de octubre de 2026 · 85 minutos
Coincidiendo con la Semana Cervantina, el Corral recupera una producción propia que ya demostró su solidez en temporadas anteriores. La gitanilla no es un estreno, y en su caso la reseña anticipada puede apoyarse en algo más firme que la expectativa: la crítica ha saludado el montaje como «una apuesta segura», capaz de satisfacer tanto al erudito cervantino como a quien se acerca por primera vez al autor del Quijote sobre un escenario. En una casa que hace de la difusión del patrimonio cervantino su razón de ser, el regreso tiene, además, un valor de coherencia institucional difícil de discutir.
La novela ejemplar que sirve de base es una de las más luminosas de Cervantes. Preciosa, joven gitana criada por una anciana, y Juan de Cárcamo, noble prendado de ella, protagonizan una historia de amor con una condición extraordinaria en su centro: para merecerla, el aristócrata deberá vivir dos años como uno más entre los gitanos, aprender sus costumbres y su forma de vida. Ese desplazamiento del poderoso al margen —el noble que se hace nómada por amor— convierte el relato en una fábula sobre la identidad, la interculturalidad y la superación de los prejuicios que resuena hoy con una actualidad casi incómoda.
La adaptación de Álvaro Ángel Malmierca y la dirección de Mariana Wainstein tienen ante sí el reto habitual de trasladar la prosa cervantina a la carne del escenario sin traicionar ni su música verbal ni su hondura moral. El elenco de cinco intérpretes —Javier Cordón, Antonio Dueñas, Georbis Martínez, Judit Molina y Rey Montesinos— asume además un componente esencial de esta Gitanilla: la música original, firmada por el propio Antonio Dueñas, no es adorno sino tejido dramático, porque el canto y el baile forman parte del mundo gitano que Preciosa encarna. El espacio escénico y el vestuario de Javier Chavarría completan una ficha de producción que respira el saber hacer de La Abadía.
La ventaja de un montaje rodado es que ha tenido tiempo de asentar su ritmo y depurar sus aristas; el riesgo, siempre, es que la repetición enfríe la chispa del estreno. Pero hay algo especialmente adecuado en ver La gitanilla en Alcalá, en la ciudad de Cervantes y durante su semana, envuelta en las piedras de un corral de comedias como los que el propio autor conoció. Es teatro que vuelve a casa, y esa clase de regreso rara vez decepciona.
Un otoño con hilo conductor
Vistas en conjunto, las cuatro propuestas dibujan una temporada con un pensamiento detrás. Errantes y La gitanilla miran al Siglo de Oro —una desde la ficción de los propios cómicos, la otra desde la fuente cervantina—; Los tiempos que vivimos y Prometeo, bufón y mártir traen al presente a dos gigantes del teatro del siglo XX, Brecht y Fo, en sendos aniversarios y homenajes. Comedia ambulante, cabaret político, bufonada mítica y novela ejemplar: cuatro registros distintos que comparten una misma convicción, la de que el teatro sigue siendo, como reclama uno de estos montajes, un espacio de encuentro, de risa y de resistencia. El patio de butacas del Corral tendrá la última palabra.
Todas las funciones cuentan con sistemas de ayuda auditiva (bucle magnético y sonido amplificado). Entradas y abonos en corraldealcala.com.
